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Hasta pronto, viajero de la luz

A 15 meses de su ausencia…Un reguero de lágrimas, rabia y tristeza, fue lo que dejó la partida física de Luis Alberto Spinetta; gigantesca alma de la música y la cultura de acá. Quizás tus canciones, viejo pillo, enseñen a salvar esta distancia, la de saberse un poco huérfanos de vos. Porque hay “algo que se fue, sin totalmente desaparecer”.

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Spinetta versión Socios del Desierto.

Por Nacho Babino

A la vera de alguna ruta uruguaya, a metros nomás del Río de La Plata, la lluvia avisa insoportable, pega en la cara primero y luego empapa hasta el alma. Pero la decodificación de ese aviso encubierto de la naturaleza tarda un poco, claro, en advertirse. Dicen que Spinetta murió y ni siquiera el cielo se bancó tanta cosa. La lluvia sigue y ya lloramos todos. ¿Y ahora pues? Cómo se amanece de este dolor, con toda la tristeza que hace afuera, cómo evitar que todo ese torrente de lágrimas cruce la jeta y cómo no buscar refugio en algún dulce regazo cercano, en posición fetal como queriendo volver, salir nuevamente a la vida después de que se confirma que Spinetta murió.

Tal vez ni siquiera el primitivo acto de regar una planta alcance o mirar el cielo o servirse un vaso con cerveza y beberlo hasta el fin, callados, sin la vergüenza de llorar como sonsos delante de quién sea, de nuestra compañera, de nuestros viejos, de nuestros hijos, de nuestras mascotas, solos frente al espejo, corriendo urgentes a poner en el mp3, en la computadora, en el winco, donde carajo sea alguna canción tuya, algún acto reflejo que nos lleve hacia vos, que vuelvas a entrar una y otra vez en nosotros. Flaco… mierda!!! Dicen que te moriste…

Si hay algo que Luis Alberto Spinetta ha rebatido a lo largo de todo este tiempo, es ese viejo axioma –devenido luego máxima peronista- de que “La única verdad es la realidad”, porque entrar en el universo, en el cosmos Spinetta es por momentos entrar a un universo de sensibilidad paralelo, casi infinito, de seguro, único.

 

Nacido en el barrio Bajo Belgrano de Capital Federal, confeso hincha de River Plate, tuvo algunas fugaces agrupaciones musicales como Los Larkings, Los Mods o The Masters, antes de conformar Almendra junto a Emilio del Guercio, Rodolfo García y Edelmiro Molinari. Y es tan grande la obra de Spinetta que si por desgracia hubiera grabado solamente este primer Lp homónimo de 1969, junto con sus compañeros de entonces, ya bastaba. Si bien al rock en castellano lo parieron Manal, Nebbia y los hermanos Fattorusso de Uruguay, es con Spinetta que le nacen alas y empieza a volar.

Ese primer disco alcanza para dejar culo para arriba a la música rock en castellano, para volarle la bocha a más de uno, tanto como se la volaron Los Beatles a él. En el libro Martropía de Juan Carlos Diez, Spinetta dice: “(…) Cuando los escucho, me da la sensación de que ellos han hecho el sonido en un mural, en una piedra, o en algo que el tiempo no perturba (…) Lo que hicieron es muy perfecto, en el sentido que contiene las imprecisiones del alma”.

Los nombres propios de las agrupaciones que formó son varias, a saber y en orden cronológico: Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade, Banda Spinetta, Los Socios del Desierto. Entre medio y repartidos a lo largo de toda su carrera quedan sus discos solistas, desde Spinettalandia y sus amigos, pasando por Artaud -aunque en la tapa figure Pescado Rabioso y mas allá de algunas colaboraciones, es un disco solista- hasta su última producción de estudio, Un mañana.

En el medio quedan también el disco doble grabado junto a Páez, el proyecto trunco de sacar un disco a dúo con García, Only love can sustain, financiado por Guillermo Vilas, la banda de sonido para la película Fuego Gris, una mínima incursión el cine en Balada para un Kaiser Carabela, una ópera rock con Almendra que nunca llegó a realizarse, el libro de poemas Guitarra Negra, la bellísima Bagualerita, canción regalada a Liliana Herrero que forma parte del último disco de la intérprete entrerriana y también el Manifiesto llamado Rock: música dura.

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La suicidada por la sociedad que repartió durante los conciertos de presentación de Artaud, donde escribió entre otras tantísimas cosas: “En todo caso, cierta estereotipación en los gustos de los músicos debería liberarse y alcanzar otra luz. El instinto muere en la muerte, repito. El Rock es el instinto de vivir y en ese descaro y en ese compromiso. Si se habla de muerte se habla de muerte, si se habla de vivir, VIDA”. Como colofón puede citarse el recital de diciembre de 2009, donde reunió a todas las bandas en un recital que duró ¡cinco horas! y durante el cual hizo de fino anfitrión. Salvo unos pocos ausentes, esa noche casi todos dieron el presente y formaron parte de una clase magistral de cómo tocar e interpretar música rock.

La universalidad poética, armónica y musical de Spinetta resulta inabordable para quien la quiera someter a un mero análisis, pero en el cosmos de este músico cabe tanto una canción como Me gusta ese tajo o Cheques como también Ave seca donde canta: “Gigante sin ojos, tu vulva, delgada gema, llaga que al secarse besa los pétalos, psicosis de savia, en las ramas esperan moverse con tus párpados”.

Y fuera de toda solemnidad que muchos le atribuyen a Spinetta, que la tiene claro, están esos momentos de comicidad e ironía spinetteana. Por ejemplo: al inicio del show de Vélez en una parte de Tu vuelo al fin, parodia a Pomelo de Capusotto diciendo “Nenenanaaa”, o cuando le dice a Mercedes Sosa mientras están grabando parte del disco Cantora, que está saliendo con Britney Spears, o en aquel recital en el Coliseo de La Plata cuando del público le gritaron “¡Sexo!”, dejó de afinar su infaltable Strato roja y blanca y contestó: “No podemos, estamos tocando”, sabiendo que ese grito hacía referencia a un tema del disco Los niños que escriben en el cielo o en el video de La montaña –tema de Pelusón of milk- en el que se ve a una familia subiendo a la terraza y celebrar a los saltos por la llegada de una heladera mientras se escucha el final de la canción que dice: “Suban a los techos, ya llega la aurora…”

De todas formas, si cierto es que “la modernidad está en los orígenes”, no cabe duda alguna del destino que le tocaba en la historia de la cultura y de la música a alguien que a los diecisiete años compone una canción como Barro tal vez (“y es que esta es mi corteza donde el hacha golpeará donde el río secará para callar/ya me apuran los momentos ya mi sien es un lamento /mi cerebro escupe ya el final del historial del comienzo que tal vez reemprenderá/ si quiero me toco el alma pues mi carne ya no es nada he de fusionar mi resto con el despertar aunque se pudra mi boca por callar”) y que decide repartirlo entre sus compañeros de clase, hecho por el cual es sancionado por estorbar.

Lo sorpresivo de la partida física de Spinetta es justamente que él era un ser hecho de luz y magia y música y poesía, que históricamente se mantuvo alejado del stablishment rockero y no pululó por los medios ni estuvo con Susana Giménez ni se tiró del noveno piso de algún hotel y mucho menos fue un cultor del reviente más allá de afirmar que en algún momento tomó ácidos o esnifó.

Acaso no ven cuánta vida hay en esa beatífica foto de los cuatro integrantes de Almendra, con el torso desnudo todos, abrazados entre sí, como anudados a un instante mágico e inmortalizado para siempre o cuánta vida y luminosidad hay en sus ojos en esas fotos en las que está levemente inclinado, con su guitarra cruzada y viste camisa negra y corbata roja o cuánto amor y celebración por ella hay en alguien que a sus últimos discos decide titularlos Para los árboles, Pan y el ya citado, Un mañana. Cómo dudar de su optimismo si -y en esta historia no entran los que forman parte de lo que el mismo llamó “prensa buitre” porque se sabe que las moscas y la mierda bien se llevan entre ellos, cretinos- en esa última carta cerca de la navidad pidió que “no paniqueen” y que no beban si van a conducir.

Y se dijo al principio que la naturaleza avisa y tan así es que mientras Pedro Aznar, a los poquísimos días de la partida de Luis, lo homenajeaba cantando Ella también, una estrella fugaz se paseó por el cielo justo detrás del escenario.

Ya encontraremos a quién equivocadamente metió mano en el despacho de Dios mientras este estornudaba y no podía evitar cerrar los ojos y fue justó en ese instante que te llamaron, pero todos sabemos que vos no cabés Luis, en ese bolsodios que vos nos dijiste que se guardan todas las cosas. Quedamos nosotros acá sí, oyendo como ciegos frente al mar, tratando de oír definitivamente alguna vez el crepitar de la hojarasca y trataremos también de no reprimir al niño, de darle tibia leche claro, y de cuidarlo de drogas y ojalá las lluvias borren toda la maldad, porque vos dijiste una vez que “Deberás crear si quieres ver a tu tierra en paz y deberás amar amar, amar hasta morir/ y deberás crecer sabiendo reír y llorar/la lluvia borra la maldad y lava todas las heridas de tu alma/de tí saldrá la luz tan sólo así serás feliz y deberás luchar si quieres descubrir la fe (…) y esto será siempre así, quedándote o yéndote.”

Mierda Flaquito, te vamos a extrañar mano, viejo pillo y bien que lo sabés. Aunque como vos cantaste en La verdad de las grullas: “Y si la esperanza se agota al fin, cuando vuelva el río con sus manos nos reunirá”.

(de la edición Nº 5, marzo 2012)

RODOLFO WALSH

Ficciones

“La realidad no solo es apasionante, es casi incontable”. (Rodolfo Walsh) 

Muchas veces nos preguntan si las cosas que publicamos en el viaje son ciertas, si en realidad les pasó a sus protagonistas. La respuesta afable dice que ‘tal vez sí, o tal vez no’, pero no es lo valioso del asunto. Una salida certera es desvincularse de esa historia en el punto que podamos para que la imaginación fluya, dejemos que la subjetividad perviva, y que las sensaciones sean. De modo imperfecto, siempre son las cosas escritas las que mejor reflejan (o no) esos relatos o versos que deseamos transmitir, contar, reflejar, despejar. La incógnita es la que de forma más perfecta traspasa el lado donde la memoria reside.

En El Retrato de Dorian Gray (1890), Oscar Wilde se embulle en dicha senda al afirmar que “el artista es el creador de cosas bellas. Revelar el arte y ocultar al artista es la finalidad del arte. El crítico es el que puede traducir de un modo distinto o con un nuevo procedimiento su impresión ante las cosas bellas”. Basados en la cita, podemos traslucir que en parte de un todo —artista y obra— se expanden como un solo mensaje, que a su vez se enmaraña con el contexto, las cosas dichas y el momento de recepción. Wilde, sigue: “La más elevada, así como la más baja de las formas de crítica, son una manera de autobiografía. Los que encuentran intenciones feas en cosas bellas, están corrompidos sin ser encantadores. Esto es un defecto. Los que encuentran bellas intenciones en cosas bellas, son cultos. A éstos les queda la esperanza. Existen los elegidos para quienes las cosas bellas significan únicamente belleza”.

Entonces el análisis. Eso que criticamos dice quiénes somos, qué sentimos, que vemos, qué resignificamos de las cosas que se nos presentan como parte y arte de lo cotidiano y adverso. Dónde, en qué lugares se fuga la verdad. A eso aspiramos, pero para qué, deseos que contemplamos como valorables en su desarrollo. Esa espina gustosa —bien llamada belleza— no proviene sólo de lo que es bello, lo que consideramos bello. Por eso, la belleza se despierta en las percepciones solitarias que se complementan con las más generales y aceptadas. El tiempo es por definición la clave de los cambios o el campo en el cual todos los embarques nadan como arrojados al azar.

Cada cual tiene el acceso: buscado, caído de arriba o establecido como complemento sine qua non, prueba que descifra y moldea los gustos. Dentro de la función de observancia y de recepción de eso que llega desde el arte, nos podemos sumergir de múltiples maneras y excusas. La idea es viajar, dejarse llevar. Poco importa si es real o es ficción. Es. Nos vamos con Wilde: “Todo arte es, a la vez, superficie y símbolo. Los que buscan bajo la superficie, lo hacen a su propio riesgo. Los que intentan descifrar el símbolo, lo hacen también a su propio riesgo. Es al espectador, y no la vida, a quien refleja realmente el arte”.

Los que hacemos el viaje

(editorial de la edición Nº 15, enero 2013)

La mentira, manotazos patrioteros.

Los mensajes de la guerra

Un repaso por los envíos informativos de los medios en plena batalla en las Islas Malvinas, nos deja en claro en cómo el manejo de la información imparte e intenta dominar desde siempre eso que las teorías señalan como la insidiosa opinión pública.

La campaña oficial en los medios.

La campaña oficial en los medios.

El recorte de aquellas informaciones en medio de la contienda dejan ver hoy grandes desfasajes en el tiempo si tenemos en cuenta la evolución en los modos de desarrollo del lenguaje audiovisual, aunque sigan teniendo los mismos objetivos: manipular o poseer la atención de gran porcentaje de la población. Cierto es, entonces, que los años han hecho que en la actualidad creamos percibir de un modo menos inocente esos flujos de información/publicidad/política.

Esta perspectiva actual nos posiciona como espectadores atentos o desconfiados. Desde cada rincón en la apuesta e intereses en juego, las informaciones carecen de un carácter inocente, pese a que sea presentado con las más puras palabras del lenguaje, sólo responden a intereses económicos, culturales, de clase, de pertenencia. Allí, eso que narran —interpretado desde una perspectiva de clase y cultura— se deshace a cada segundo. Encausado en la misma constelación, los episodios cuentan con el aporte de usuarios de las redes sociales, que se circunscriben en el andarivel de lo poco comprobable (en cuanto a criterios de credibilidad) y, a su vez, como fuente irrefutable de los protagonistas, sean funcionarios políticos, deportistas, artistas, o solo víctimas de ese pantallazo de una realidad —más aún— recortada en 140 caracteres. Por ende, en muchos casos, esa realidad que acontece se vuelve más cercana, familiar, cierta.

En la nota Lo que ya fue y lo que hay, Gabriel Cerrutti se pregunta “¿De qué nos hablan los medios?”, y destaca que “la noticia es el acontecimiento y no el proceso, las buenas noticias no son noticias, los medios construyen una realidad de acuerdo a los sucesos disruptivos. (…) Tan fuerte es esa máquina de construcción de vidas paralelas, que muchas veces la realidad termina pareciéndosele. O, en otros casos, la vida sigue como todos los días, aunque parecemos convencidos de otra cosa” (Revista Maíz, dic. 2012).

En ese meollo entre los que luchan por imponer verdades, visiones y análisis, el factor que más requiere de los medios de comunicación, son los miembros que pertenecen a la cara visible de la política. En su libro de ensayos Guerra y Paz en el siglo XXI (2006), Eric Hobsbawm apunta que “los titulares, o mejor dicho, las irresistibles imágenes de la televisión, son el objetivo inmediato de todas las campañas políticas, porque resultan mucho más efectivas que la movilización de decenas de miles de personas. Y porque, desde luego, es mucho más fácil emitirlas que activar a la gente”.

Siempre ganar

En las imágenes del discurso de Leopoldo Galtieri, con una Plaza de Mayo colmada, se puede observar la euforia, el patrioterismo de salvataje, el chauvinismo más solemne. Las tapas de los matutinos más importantes del país comenzada la década de 1980, fueron quienes comunicaban los objetivos resguardados en la soberanía al precio que fuese de parte de una deteriorada cúpula militar al mando de un teniente general con bravuconadas etílicas.

En La tipografía de plomo —Los grandes medios gráficos en la Argentina y su política editorial durante 1976-1983— de Martín Malharro y Diana López Gijsberts, desdoblan el rol informativo durante dicho proceso. “Los grandes medios fueron los principales cómplices. Paradojalmente, mientras la Argentina estaba conceptuada como uno de los países más informados de Latinoamérica, por la cantidad de medios masivos de comunicación que poseía y la cantidad de lectores que ellos congregaban, era uno de los países más atomizados en cuanto a información verdadera se refiere”.

La campaña mediática a resguardo de las ineficiencias de los que comandaron el ejército se deslizó en breves spots con alegorías a la unión entre argentinos, un ‘a seguir’ que todo continúa desde su cauce lógico/normal, con el mensaje de “Argentinos, a vencer!”. Durante el conflicto en las islas, se emitieron a diario.

Uno de los spots arenga en off: “Vamos argentinos, vamos a vencer. El futuro sigue su camino. Argentinos a vencer”, junto a imágenes de la guerra, el despegue de un avión de la Armada Argentina, un giro en el aire de un Mirage, barcos de guerra, una mujer que dona sus aros de plata ante las cámaras, una imagen de un trigal agitado por el viento, un tractor arando la tierra, para finalizar con un primer plano a un pulgar en señal de “todo ok”. Con el mismo tono, otro emitía: “Ganemos la batalla en todos los frentes. Cuando el enemigo acecha, hay que esperar pacientes el momento de actuar para no errar el disparo. Saber esperar, es saber luchar”. En la imagen se puede ver a un león —representando al enemigo— apuntado por una mira telescópica que lo sigue hasta el final.

Dicha muestra, contexto de un episodio fatídico para el acontecer de la República, sólo se denota desde la actualidad como una manipulación víctima de las inyecciones de descreimiento, en busca de ese gol que salvara el campeonato. Cada quién que lo vivió en vivo y en directo sabrá de qué lado de ese acontecer presenció cada imagen, cada verso. En todos los casos, podemos confirmar que hoy, la redacción mediática estriba la materia que se explaya desde muchas ventanas, pero a la luz de otros ojos, los nuestros.

(de la edición Nº 18, abril 2013)

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El final de los nadies

A un año y dos meses de la muerte de Gustavo Suárez, recordamos. Esto sucedió en la ciudad de Lobos, no podemos olvidar.

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Parece que por estos lados las cosas que siempre nos hartamos de ver en los medios, ahora se dan a la vuelta de la esquina. El antecedente de casos no esclarecidos en nuestra ciudad suman como nunca antes, entre ellos, el asesinato del ecologista en la Laguna de Lobos, del joven que se quitó la vida ahorcándose en la comisaría, otra joven atropellada cerca del club Provincial, el aún poco indagado caso de Gustavo Ayastuy en Salvador María y el último, el de Gustavo Héctor Suárez, quien falleció tras recibir varias puñaladas a la salida del club Provincial.
Más allá de todas las “investigaciones” que prometieron policía y autoridades municipales, su familia organizó el último 19 de marzo, a un mes del episodio, una marcha con el pedido de justicia. Ese lunes lluvioso, acudió más de medio centenar de lobenses desde las calles de Empalme, pasando por el Municipio y la comisaría.

Lo destacable de este tipo de petitorios de justicia es que muchas personas acentúan su apoyo a familiares a través de las redes sociales y en las calles. Aquellos pesimistas y negativos, podrán enumerar que cincuenta o cien personas para un pueblo de más 40 mil habitantes es poco, pero lo que queda claro es el mensaje: basta de hechos similares, basta de muertes dudosas. Nada es mínimo y fue así que tras el eventual fallecimiento de Gustavo Ayastuy el 30 diciembre, más de un centenar marcharon en silencio a sólo 15 minutos del centro lobense, en Salvador María. Así, lo que se puede destacar en limpio de tales movilizaciones, es que un gran número de ciudadanos se animaron a reclamar por eso que creen injusto.

Por eso, vale la pena mantener fresca la memoria, y siempre, con “la firme promesa de no olvidar”. Para recordar, para analizar, para masticar, para no olvidar. Como bien lo expresa Eduardo Galeano en El libro de los abrazos con “Los Nadies”: “Sueñan las pulgas con comprarse un perro y sueñan los nadies con salir de pobres, que algún mágico día llueva de pronto la buena suerte, que llueva a cántaros la buena suerte; pero la buena suerte no llueve ayer, ni hoy, ni mañana, ni nunca, ni en lloviznita cae del cielo la buena suerte, por mucho que los nadies la llamen y aunque les pique la mano izquierda, o se levanten con el pie derecho, o empiecen el año cambiando de escoba. Los nadies: los hijos de los nadies, los dueños de nada.

Los nadies: los ningunos, los ninguneados, corriendo la liebre, muriendo la vida, jodidos, rejodidos:
Que no son, aunque sean/Que no hablan idiomas, sino dialectos/Que no profesan religiones, sino supersticiones/Que no hacen arte, sino artesanía/Que no practican cultura, sino folklore/Que no son seres humanos, sino recursos humanos/Que no tienen cara, sino brazos/Que no tienen nombre, sino número/Que no figuran en la historia universal, sino en la crónica roja de la prensa local/Los nadies, que cuestan menos que la bala que los mata”.

(de la edición Nº 6, abril 2012)

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Psicosis en el aire

Ante la presencia de frases anticipatorias que indican que pronto todo se va al tacho, anotamos algunas cuestiones a tener en cuenta antes del estallido. Después que no se diga que nadie fue avisado.

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Manual para evitar una sobredosis de TV

Los medios de comunicación funcionan con al menos tres objetivos medianamente claros: el negocio de la información, las intenciones con las que se comunica dicha información y los intereses que corren en el medio por parte de los anunciantes, ya sean estos privados y/o estatales. Entender este juego mediático, es tan complejo como simple a la vez. ¿A quién le creemos, entonces? Una posible respuesta, sería: no creer en todos, cuestionando e interrogando quién es nuestro emisor.

En la actualidad, la polarización en la emisión de mensajes se transfiere entre opositores y oficialistas –el juego se muestra de ese modo, como un round aparte en la rueda de influencias sociales- y no hay neutrales, ya que quienes informan y entretienen, tienen disímiles y múltiples objetivos al momento de crear el sentido de sus mensajes. Luego de indagar sobre quién es el emisor, debemos tener en cuenta y como punto esencial, que la verdad no existe, sino que sobrevuelan muchas verdades.

En la práctica de ese juego creado desde los medios hacia los consumidores, se deduce que no hay sinceridad absoluta pero sí una explayada lista de opiniones –que carecen de valor de verdad- que se tiñen de información veraz y comprometida.

Los ejemplos se multiplican al momento de interiorización en el reflejo mediático y esa realidad se convierte en lo más palpable, en la reproducción de aquello que sucede en la calle, que se ve y tiene cierto grado de posible probabilidad. Allí, los medios funcionan como meros carteles con advertencias de las cosas que se deben tener en cuenta “antes de salir de casa”..

La TV y los medios audiovisuales en general, contienen eso que desde las teorías comunicacionales se denomina como “el poder de la imagen”. Esto conduce a darle verosimilitud a cada evento transmitido en vivo y en directo, aunque éste diste de una información concreta. Un ejemplo de ello, son los informes de Facundo Pastor en canal América, donde el ojo está puesto en situaciones existentes, pero que con la reproducción constante toman valor propio por el sólo hecho de ser visualizado.

Esto no quiere decir que no sean reales, sino que la constante reproducción las vuelve aun más visibles. En un momento fueron los “motochorros” y actualmente, el trabajo de esas producciones que se muestran como periodismo de investigación, son simples corridas policiales a carteristas que actúan en primeros planos. En esas corridas la cámara no capta lo que se quiere mostrar, pero el relato del notero ayuda a alimentar la imaginación: “ahí va el ladrón”. La reproducción constante de esas imágenes convierte en realidad eso que fue construido por la producción del programa con la tarea de captar lo que sucede. Por eso, es hora de poner en desuso esa frase que tiñe de verídico todo lo que sucedió en la televisión.

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El fin de las apologías

La definición de apología expresa: “discurso de palabra o por escrito, en defensa o alabanza de alguien o algo”. Aquello que se percibe y etiqueta como apología hacia algo o alguien, corre por cuenta de quien acusa. Si ésta existiera, todo sería un gran caos o una gran condena, como cuando Calamaro dijo “qué linda noche para fumarse un porrito” ¿Qué hubiese pasado si cambiaba por cerveza, era publicidad y no apología? ¿y si habría invitado a tomar una Coca-Cola, era un propagandista del imperio? Con este tipo de discursos que tiñen los enunciados, aumentarían los problemas y ver una película de Terminator o Rambo, sería estar condicionados por la bronca y ser proclives a salir a matar los enemigos.

La canción de Cacho Castaña -que tiene décadas de reproducción pero sin cuestionamientos- dice “si te agarro con otro te mato, te doy una paliza y después me escapo” (…) “dicen que yo soy violento”, continúa ¿Sería esto violencia de género? Jamás hubo pronunciamiento contrario conocido. La época que atravesamos debe cuestionar este tipo de mensajes de contenido altamente sexista. Pero no, en este caso Castaña no rompe con algo que, de hecho, está establecido desde que ‘el mundo es mundo’, como hostilidades hacia el sexo femenino.

El término apología, tomado desde los preceptos de cierto orden establecido, se convierte políticamente en un recurso eficaz para denostar según los intereses del emisor. Varias horas y páginas de diarios ocupó el tema cuando Fito Páez dijo “me da asco la mitad de Buenos Aires”, pero poco se habló cuando Lilita Carrió contó que “dormía más tranquila tras la muerte de Kirchner” o cuando Francisco De Narváez comentó que éste “se murió para no enfrentar una nueva derrota” eleccionaria o cuando el ruralista entrerriano Alfredo De Angeli se refería a la primera mandataria como “la yegua”. Allí, no hubo condenas por parte de los medios opositores, sino más bien condescendencia con los espectadores.

La manera de no dejarse inferir por las apologías, sería pensar individualmente y no como quieren que pensemos. No es acaso pura apología del terror decir que todo es un caos, que no se puede vivir y que cuidado que en cualquier momento nos puede pasar lo peor. Un ejemplo claro, es la publicidad de puertas Pentágono, que se ven antes y después de las noticias sobre robos. La información toma un papel de tendenciosa, donde el emisor –el noticiero- responde a los intereses de la empresa de puertas blindadas. Hay inseguridad, pero Pentágono vende la solución (N de la R: parece una tomada de pelo).
Algo de eso sucede desde el comienzo de El donante (un hombre que en su juventud ganó algunos pesos por donar semen y que fue encontrado por una de las personas que contiene su ADN).

Antes de su estreno en la pantalla de Telefé, ya se hablaba de “la mala información” sobre la donación de esperma ante una inminente disminución de futuros donantes, por la confusión creada. Si bien allí se recrean conceptos de un tema que preocupa a muchas familias que esperan la regulación de una Ley Nacional de Fertilización Asistida, lo cierto es que la influencia que El donante pueda inferir sobre un “desaliento a posibles donantes” es mera especulación. No se trata de una des-concientización, sino de una ficción de un tema poco visualizado que va en contra de los intereses de las clínicas que se dedican a la fertilización.

Desoxidémonos para crecer

Ya es hora de abrir un poco el marote y dejar de lado todo eso que nos rodea de pálidas. Que exista una Ley que permita el matrimonio entre personas del mismo sexo, no significa que habrá más gays, lesbianas y trans porque una regulación se ajuste a derechos adquiridos. Que exista una ley que acelere el divorcio, no implica que la gente elija divorciarse porque existe un marco legal que le da velocidad a los trámites del mismo. Que el Estado provea de preservativos a quienes no tienen acceso, no quiere decir que haya incitación al sexo por proveer la herramienta que previene embarazos y enfermedades.

Nocivo es sembrar el caos o reproducir ciertos estándares corporales o de inserción a una clase social por la obtención a diferentes productos del mercado. Lo que hoy se muestra, antes existió, sólo que el pasado lo condenó. Las drogas, los gays, los malos tratos, la corrupción, el derroche y el cambalache, siempre existieron. Es hora de comprenderlos, pero no ocultarlos -porque son reales- sino de des-adaptarlos como algo simplemente dado pero poco cuestionado. Desoxidémonos para crecer.

(de la edición Nº 8, junio 2012)

desaparecidos

Yo no puedo librarme a lo que te debo como ilusión

A modo de ensayo histórico, nuestro columnista repasa los hechos desde el presente y apunta que en la historia reciente local no queda otra que disputarle el sentido de lo ocurrido al olvido, luchando por la memoria, la verdad y la justicia. Por Mauricio Villafañe*

En octubre de 1976 fue secuestrado y desaparecido por un grupo de tareas, en el marco de la última dictadura cívico- militar, el profesor lobense de Lengua y Literatura Luis Oscar Pato Lacoste. A 36 años de este doloroso punto de inflexión en nuestra historia reciente local no queda otra que disputarle el sentido de lo ocurrido al olvido, luchando por la memoria, la verdad y la justicia.

Al respecto, asistimos a un contexto propicio para la profundización de la discusión en torno a las violaciones a los Derechos Humanos ocurridas en nuestro país, ayer nomás. Este contexto es tanto el resultado de la voluntad política de avanzar en tal sentido a partir del 2003 como de los largos años de lucha de los organismos de DDHH y de los familiares de las víctimas del terrorismo de Estado. No hay chances de olvido, perdón o reconciliación pero tampoco debe caber la venganza sino la justicia constitucional que repare, al menos en parte, el dolor causado por los criminales que se creyeron dueños de la vida y de la muerte de miles de compatriotas. En eso estamos.

Volviendo a lo que se dijo al comienzo: ¿Qué es lo que le disputamos al olvido? Arrastramos, como sociedad, el peso de una de las herencias de la dictadura: la expresión “Algo habrán hecho…” como exculpatoria y el “acá no ha pasado nada” como mecanismo que niega lo ocurrido. Ante ese peso insoportable que nos legaron los torturadores, nos rebelamos. Ellos son hoy ancianos, cobardes, cínicos, puestos ante el accionar de la Justicia a pesar de la patética simulación de senilidad que mal termina encubriendo su orgullo por el “triunfo” en la llamada “guerra contra la subversión”. Su “cruzada” no fue otra cosa que una acción represiva y criminal inédita contra la organización popular. Se los está acusando, juzgando y condenando por sus crímenes contra la humanidad.

Ahora, ¿Por qué la desaparición de un docente en Lobos? Hay, en primer lugar, un dato que merece destacarse: en el año 2009, un grupo de estudiantes del Colegio Nacional, del cual Pato era docente, realizaron un pequeño pero valioso documental sobre él. Consta de una serie de entrevistas que hablan de él como docente y referente cultural, abordando así también su desaparición. Es una necesaria reflexión sobre lo que nos ocurrió como sociedad, que se vuelve más valiosa aún al estar impulsada por estudiantes secundarios de nuestra ciudad.

Entonces, una primera respuesta a la pregunta planteada: fue desaparecido por lo que significaba, por ser una referencia cultural e intelectual en la ciudad. Una de las entrevistadas en el documental, su esposa, destaca la existencia de una denuncia contra Pato de parte de un “grupo de padres”: ¡Atención, señores y señoras, su papel ante la historia y ante su pueblo es haber “liberado” a sus hijos del terrible “peligro” de un docente!
Yendo a lo más general, el secuestro y la “doble” desaparición (corporal y cultural) de Pato Lacoste son acciones “ejemplificadoras” y significan el cierre de la dinámica cultural precedente y antagónica al tiempo de “orden” que corría para 1976. Su “ausencia” sacaba de la escena al mejor y mayor exponente local de esa dinámica, poniendo en aviso a los que quedaban: “Ojo, Lacoste algo habrá hecho, no se metan…”. Terrorismo desde el aparato de Estado, engranaje de un plan sistemático de reestructuración y disciplinamiento social basado en la tortura, el robo de identidad, la represión y la desaparición forzada entre otros rasgos “distintivos”.

Es el objetivo del “orden”, atento a un proyecto cultural y social reaccionario y represivo, el que lleva a la desaparición de Pato. Su accionar, como docente y referente, era propio del contexto social, político y cultural previo a la imposición de los militares y aliados civiles en 1976. Pato transitó Filosofía y Letras en la UBA de mediados de los ‘60, años de resistencia a los “bastones largos” del golpe de 1966; vivió y se formó a la par que el pueblo argentino fue despertando de este letargo golpista, Cordobazo mediante.

Es testigo y parte de todo un estado de movilización inédito a escala global: la descolonización de África, el movimiento hippie y la oposición a la guerra yanqui contra Vietnam, la desestalinización en el mundo soviético, el Mayo francés, la Revolución cubana, el triunfo de Salvador Allende y la Unidad Popular en Chile, el Concilio Vaticano II y el Movimiento de Sacerdotes para el Tercer Mundo, la opción por la lucha armada por parte de las organizaciones populares latinoamericanas para enfrentar a la violencia golpista desde arriba… Más cerca e inmediato, se corona en nuestro país la lucha de la mayoría del pueblo argentino por hacer retornar, tras 18 años de bombas, fusilamientos, traiciones y proscripciones, al peronismo al poder.

La imposición del proyecto cultural dictatorial frenaba y demolía todo un estado de cosas, en nombre de proteger la esencia del “ser argentino”. La cultura era entendida como un “campo de batalla” más, volviéndose una preocupación central. Por tal motivo, había que controlarla: de acuerdo con este objetivo, se recurrió a “listas negras”, políticas de censura rayanas a lo absurdo, exilios forzados, desapariciones y quemas públicas de libros como la que el genocida Luciano Benjamín Menéndez realizó en Córdoba. Esta práctica persecutoria y represiva estaba orientada a los llamados “ideólogos” de los “subversivos” (entendidos éstos como militantes y activistas de organizaciones sindicales, político- armadas, etc.): intelectuales, artistas y…docentes. Sí, docentes: el 5.7 % de los desaparecidos, según declaraciones recogidas por la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas (CONADEP), eran/son docentes. Y Pato Lacoste es uno de ellos.

Con este tipo particular de represión se lograba no sólo la desaparición física sino también la representacional (obras, prácticas y discursos). A la desaparición del cuerpo como forma de “gestión” del poder en regímenes autoritarios (la aplicación de la pena de muerte en forma masiva, por ejemplo) se le corresponde la desaparición referencial; está desaparecido su cuerpo pero también lo que éste significaba intelectual y culturalmente. De esta forma, la estrategia de la dictadura en este terreno se volvía complementaria respecto al terrorismo estatal como plan de desarticulación y disciplinamiento de la organización popular.

Esta estrategia tiene, como uno de sus campos de acción, a la escuela. En ella estaba la “fuente” de la “subversión”, que “intoxicaba” a los jóvenes argentinos con ideas extrañas al “ser nacional”. La “intoxicación” podía darse en el tipo de materias dictadas y en sus contenidos, en los vocablos empleados como en el aliento a ciertas formas de trabajo en el aula o en las tareas y los comportamientos. La labor de “control ideológico” llevada a cabo por los defensores del orden dictatorial venía a atacar todo una dinámica cultural previa: militancia y compromiso político, activa sindicalización (centros de estudiantes) y un espíritu general de apertura y discusión.

La respuesta represiva comienza con la limitación del rol docente, quedando como un mero transmisor de contenidos para continuar con absurdas reglamentaciones en la vestimenta y en el comportamiento, el control de contenidos y de la dinámica institucional y áulica, la censura de libros y materiales, la vigilancia sobre actividades escolares y extraescolares, sanciones (suspensiones, expulsiones) y persecuciones. La más drástica de las medidas era el secuestro y la desaparición, como a Pato. Su materia, Lengua y Literatura, era sospechosa de favorecer el “adoctrinamiento subversivo”, la “marca de época” de lo absurdo de la política educativa dictatorial.

A fin de cuentas, el hecho de que Pato sea parte de una dinámica cultural que alentaba una propuesta educativa convocante (estimulando el trabajo en grupo y la discusión sobre lo que sucedía en la actualidad, como se destaca en el documental), en articulación con un proyecto cultural innovador y hasta revolucionario en una ciudad como Lobos (editor de obras de autores locales, director teatral) hace que se convierta en una figura “peligrosa” para las aspiraciones reaccionarias, ya que su acción era protagónica y estratégica en la formación, transmisión y generación cultural lobense.

Este modesto viaje va terminando con la certeza de buscar no sólo la reivindicación de Pato Lacoste sino también de intentar ligarse a un mandato que la memoria impone: frente al acto criminal de su secuestro y desaparición, frente al olvido y al “acá no ha pasado nada…”, recomponer lo negado y desaparecido, simbólicamente hablando. Pero esta restitución no puede ser nunca una aspiración individual sino una tarea colectiva consciente. De esta forma, en Lobos, hay en el aire una inquietud y un muy auspicioso renacer cultural.

Los diferentes espacios y muy buenos artistas locales y sus expresiones, los proyectos concretados y los que se vendrán hablan de la reconstitución de los lazos sociales negados por tanto tiempo y de la recuperación de la confianza, de las ganas y del compromiso aparte del talento, la capacidad y las condiciones. De esta forma creo que todos y todas estamos menos solos y solas, haciendo un poco por restituir lo que nos han negado, recuperando en lo concreto obras, prácticas y discursos clausurados por la herencia cultural del ‘76, ese viejo manual de instrucciones y toda su “enseñanza” de individualismo y de “no te metás”. Recuperando esto vamos a disputarle el sentido de la historia al maldito olvido, a generar memoria luchando por la justicia para los que ya no están y a trabajar por la esperanza de vivir y hacer un mundo mejor.

*Lobense, estudiante del Profesorado de Historia de la UNLP.

(de la edición Nº 12, octubre 2012)

La memoria siempre funda el mañana (S.I. Marcos)

Dame un momento más con mi memoria

A través de explicativos conceptos sobre la memoria, el olvido y todos los presentes, este ensayo analítico intenta atravesar esos mares de construcciones de mitos, mentiras y prejuicios para justificar la muerte de todos los que no están. Por Emiliano Maglione*

Estableciendo comunicación

Me surgen algunas preguntas que vienen a dejar bien marcado el campo entre los “reivindicadores” de la última dictadura, y por tanto CÓMPLICES, y las “víctimas” del plan realizado por ésta, basado en el terror y la desinformación. Supongamos que nuestro país se encontraba en “peligro” de sufrir “atentados terroristas” de parte de grupos armados. ¿Puede o debe el Estado de ese país ¨salir a cazarlos”?, ¿Puede o debe salir a “cazar” y, encima, desaparecer civiles?, ¿Sin juicio previo? Digo, Ellos, bajo su punto de vista sobre lo que está bien y lo que está mal, consideran “culpable” a alguien y sin juicio previo se lo ejecuta ¿Tiene eso alguna lógica?, ¿Usted cree que podemos manejarnos así en la vida?, ¿Cree usted que un gobierno, que no lo eligió nadie, debe poder, a su juicio, fusilar personas y desaparecerlas?, ¿Cree usted que la familia de estas personas deben vivir esperando un hijo que de un día para el otro se “fue” y encima no deben hacerse ninguna pregunta?, ¿Cree que estas madres o abuelas deben entregarse al olvido o al perdón?, ¿Realmente usted cree que se puede hacer esto?

Supongamos que los 30.000 desaparecidos fueran culpables de algo ¿Se los debe desaparecer? Supongamos que no son 30.000; supongamos que son 8.000 ó 10 ó 1 ¿Cree usted que la familia de este único desaparecido (por parte del Estado) no debe preguntarse nada, debe enterrar el pasado y entregarse a la no-justicia porque ese gobierno que nadie eligió así lo dispone? Nunca se pudo probar que haya existido ese tan agitado peligro “comunista”; fue la gran excusa para la desaparición forzada de miles de compatriotas. Lo que sí está probado, vale decir, son las más de 100 restituciones (y las 400 que aún faltan) de identidad de nietos por Abuelas de Plaza de Mayo. El gobierno de facto (junto a los medios de comunicación que lo apoyaron) se encargó de inventar “enfrentamientos” para justificar el fusilamiento de las víctimas y de generar estereotipos que “ayudaban” a las personas a identificar a un “subversivo”.

“Yo nunca voy a decir que todo tiempo, por pasado, fue mejor…”

A mediados de la década del ‘70 se impone una dictadura cívico-militar. ¿Por qué “cívico”? A partir del consenso obtenido en importantes pero minoritarios sectores beneficiados por el nuevo orden y sus políticas económicas. Más aún: este apoyo activo se basó en medios masivos de comunicación que lograron su cometido al llevar a cada rincón del país un poco más de desinformación y ocultamiento. Vale la pena también recordar la complicidad de la cúpula de la Iglesia Católica, la misma que hoy se opone al matrimonio igualitario o a una ley de aborto; la misma que tuvo silencio para las Madres y Abuelas desesperadas que pedían por sus hijos y sus nietos; la que hoy nos sigue castigando con más silencio, tan alejada de los Padres Palotinos y del Padre Carlos Mugica. La Junta Militar, liderada por Videla, Massera y Agosti, dirigió un duro golpe a la “columna vertebral” del país. Dicho golpe fue previamente calculado (fue un plan sistemático de tortura y saqueo, sin vacilar). Desde el principio los objetivos fueron claros al buscar obtenerse el control de los dos planos que conforman dicha columna: el político y el cultural**. Para poder imponer sus políticas, el gobierno dictatorial inició una sangrienta persecución contra todos aquellos que se oponían a ellas.

“No habrá flores en la tumba del pasado”

“Las fronteras de la memoria. La masacre de las Fosas Ardeatinas. Historia, mito, rituales y símbolos” se llama el texto del historiador italiano Alessandro Portelli, publicado en la revista Sociohistórica. En él muestra una discrepancia entre el conocimiento histórico con todas sus herramientas y la memoria y/o el sentido común. El tema del trabajo es un acontecimiento que se da en Italia el 24 de marzo de 1944: la masacre de las fosas Ardeatinas. Sin entrar en detalles: las fuerzas de ocupación nazis asesinan a “335 personas, rehenes o, simplemente, personas tomadas al azar en la calle”, en “represalia por un ataque partisano” ocurrido el día anterior. Los registros británicos llaman a este crimen “atentado” donde habían muerto 32 soldados alemanes. Estas 335 personas fueron secuestradas y fusiladas sin juicio previo y arrojadas en fosas. Unos años después, el autor realizó una serie de entrevistas a distintos protagonistas (distintos ciudadanos italianos; todos ellos de alguna u otra manera protagonistas). De ellas se pueden desprender los distintos mitos que se fueron generando detrás de este suceso; los más inocentes, esos que nacen del miedo y del manto que cubre los ojos de los que no eligieron bien de dónde o cómo informarse o posicionarse y también los que se crearon de manera tendenciosa, casi cómplice. Este texto logra poner en vista la cara más sistemática, la más planeada, y, quizás por ello, la más siniestra del nazismo: el exterminio planificado de seres humanos. Característica que comparte, casualmente… con la última dictadura argentina.

“¿Te digo quiénes son los argentinos y las argentinas? Los que se llevaron a ninguna parte o a las Malvinas”

La construcción de mitos que justificó los crímenes de las fosas Ardeatinas (“Los partisanos arrojaron una bomba; por eso merecen ser castigados”) también le sirvió a la dictadura para encubrir el plan de tortura y desaparición contra la amenaza “subversiva” (“Pato Lacoste quería poner una bomba en el Nacional/ quería llevar armas a Chile”). La misma lógica. Ambas acciones, imposibles de comprobar y que no soportan el más mínimo análisis histórico, fueron marcadas a fuego en la memoria colectiva a través de estereotipos creados por esos mismos medios de comunicación que fogonearon la búsqueda de un culpable que hiciera más “liviana” la conciencia de su complicidad (“algo habrá/n hecho…”); la revista Gente bajo la dirección de Chiche (Gelblung) es un buen ejemplo de ello.

La figura de Pato coincidía con los estereotipos planteados. Este hombre se “atrevió” a ir a la Cuba de Fidel o al Chile de Allende y volvió a su ciudad a traer ideas ¿nuevas?, “peligrosas”. Este hombre se atrevió a alentar no solo a la lectura sino también a la edición de autores locales y es recordado por sus ex alumnos como un excelente profesor. Si así ellos lo recuerdan: ¿Qué nos importan entonces las construcciones mitológicas que pudieron y puedan crear alrededor de su figura?

Tenemos la obligación de recordar primero, como argentinos, a todos los desaparecidos, 30.000 o más, y segundo, como lobenses, a Luis Oscar Pato Lacoste, nuestro propio desaparecido, por su apertura mental y por la acción llevada a cabo del modo más leal a sus alumnos, a sus convicciones y a su profesión, la de profesor de una escuela pública. Por suerte, un nuevo resurgir cultural, posiblemente legado de Pato, aparece como contrapartida al olvido en el que estuvimos durmiendo por tanto tiempo.

*Lobense, estudiante del Profesorado de Historia de la UNLP.
**Léase el trabajo de Villafañe, Mauricio. “El problema del pueblo. La represión cultural durante la última dictadura: El caso del profesor Luis Oscar Pato Lacoste”.

(de la edición Nº 12, octubre 2012)

2-Años de Pescado II. Spinetta, Lebón, Amaya y Cutaia.

Pescado Rabioso: Al borde del camino

Con su segunda banda tras la disolución de Almendra, el Flaco dio un giro de raíz en la forma de hacer rock, de componer y emitir mensajes cifrados, con guiños a la sociedad. Tres discos fundamentales para la historia del rock nacional. 

Pescado. Spinetta, Cutaia, Grinberg y Amaya.

Pescado. Spinetta, Cutaia, Grinberg y Amaya.

Por Félix Mansilla

Pescado Rabioso fue la continuación ecléctica de lo que Almendra dejó en el camino, pero con algo más de volumen y despliegue sonoro, a partir de un hard crudo, ácido y psicodélico. Casi sin respiro el aura del Flaco mutó en energía, melodías y mensajes de cortes setentosos: violas al mango y una base montada en energía de power trío. El primer disco, Desatormentándonos (1972), fue posible junto a otros músicos que ya sabían de rock & roll como Black Amaya en batería, Bocón Frascino (ex Pappo´s Blues) en bajo, y la producción de Jorge Álvarez. Dicha placa, contiene espesas melodías y riffs con una suerte de aires a Led Zeppelin y Cream, que comenzada la década apenas se esparcían en los oídos de todos.

Los años setenta fueron complejos, duros, sangrientos. El mensaje de Pescado en el interior del vinilo, anticipaba todo lo que después traspasó: “El pueblo es la estrella mágica. Todos la vemos parecerse al río. Los gusanos de los emperadores trepidan en apocalíptico festín. Ellos no tienen tiempo de recurrir a las armas. La estrella las fundió todas en un piano infinito. La cabellera de los torturadores sangra en mi carro. Nosotros: desatormentándonos para siempre”.

Con canciones claves como “Blues de Cris” (¿el final en base rock de Muchacha…?), y “Serpiente viaja por la sal” (con un largo pasaje en planos de hammond, con más de ocho minutos de duración). De modo simple pero enrarecido, Desatormentándonos es el inicio de una nueva etapa de absorción sensorial de Spinetta en tanto líder de un trío pleno de rock pesado.

Pescado II (1973).

Pescado II (1973).

Pescado II

Este disco contó con la participación de Carlos Cutaia en órgano y teclado y David Lebón en bajo y guitarra. El booklet, fue realizado por el Flaco en puño y letra, donde cuentan detalles de la grabación, contiene dibujos, fotos de la banda y las letras, muchas veces explicadas en clave para el consumidor de aquellas músicas que suenan en la actualidad como senda a recorrer, el manual básico para hacer rock canción.

Si bien es una obra donde Pescado baja algunos decibeles y se notan resabios de Almendra a lo lejos, cuenta con mensajes de ese camino entre la realidad, lo real y lo presumible como producto de la forma de resignificar el mundo de aquellos cuatro jóvenes del rock. Debajo de la descripción de “¡Hola, pequeño ser!” se lee: “Aquí se habla de parar todo tipo de drogas. Aquello que creíste como la llave del cambio, no es sino una parte más de lo que compone a una personalidad adquirida. Por supuesto que cada uno puede hacer lo que le plazca, pero si el mundo debe revertirse y cambiar en serio y esta idea es fundamental para una nueva generación, la droga, en el momento que desvía la mente lúcida, ya se torna en parte de lo reaccionario, y, de todos modos la experiencia valió y como es irrepetible, hay que cortarla”.

De no haber sido por aparecer en formato doble sin un hilo conducente en su totalidad, Pescado II es una ópera rock que tiene destellos y pareceres que huelen a Sgt. Pepper´s de Los Beatles; grabaron junto a músicos clásicos (suenan arreglos en muchos pasajes) que dieron el punto justo en la conjunción de los parámetros musicales de la época.

Artaud (1973).

Artaud (1973).

Artaud

En una entrevista a Miguel Grinberg del año 1977, el Flaco define a su segunda banda. “Lo que traté de hacer con parte de Pescado Rabioso, fue rebobinar el proceso. Pescado Rabioso fue el primer eructo después de que uno se toma un Uvasal tras haber comido y bebido a mansalva. Como el primer síntoma de tratar de rebobinar un proceso autodestructivo, frenarlo.

El material que no es pus, es el material roquero (sic). Es el que está contaminado, y nada más. Son pequeños puntitos que quedaron, que por otra parte Dios quiera que queden siempre a través de cualquier proceso necrofílico. Quedó eso, quedó la fragilidad de Cristálida o Mi espíritu se fue, Credulidad” (Pescado II).

Poco después vino la etapa de Artaud (1973), con la firma de Pescado pero la impronta del primer solista de Spinetta. “En Artaud conseguí la primera liberación de cosas. En ese álbum, cuando empecé a manejar ese material, empecé a creer en la posibilidad de un antídoto, en el cual creo perfectamente. El antídoto al sufrimiento, el antídoto al ‘art nouveau’, al ‘art decó’, a la moda, a la paja, a las drogas, el antídoto a la promiscuidad sin sentido”.

La obra —fundamental por su esencia— es una especie de representación dramática sonora, amplificada con mensajes de los que sólo hablaba aquel Spinetta de cambios en su interior. Para la promoción del disco, el músico contó a Grinberg sobre su admiración por el ‘poeta maldito’ Antonin Artaud. “Es un poeta. Creo que fue revolucionario, por eso utilizo para mi long-play su nombre. Fundamentalmente tengo una especie de predilección por su obra, y no sólo por la obra que construyó, sino por cada momento de su vida, vividos a una intensidad que realmente se adelantó a su tiempo”.

Tiempos de rock rabioso: Lebón, Spinetta, Amaya, Cutaia.

Tiempos de rock rabioso: Lebón, Spinetta, Amaya, Cutaia.

El contexto era represivo. Bombas, tiros, la Masacre de Ezeiza en el medio, las botas largas y los aires de liberación. Alejado del insumo rock en clave revolucionaria, Spinetta constituyó su propia manera de expresar lo real a través de aquello que se lee como por fuera del plano real de las cosas. “Mi preocupación justamente es cargar todo el mensaje de una buena energía, simplemente. Que no sea una energía que es producto de una evocación del proceso esquizofrénico de toda la sociedad. No cargarla con los elementos básicos de la represión, que es la mala energía. Sino cargarla con elementos de una energía liberadora, que provoque una concientización de esa energía. Generalmente, las conciencias de la sociedad no tienen libre acceso, dada la represión, a tener este tipo de información. Que no es una información de otro planeta. Es una información basada en la observación de la realidad más pura”.

El regreso a las fuentes con Artaud, cerró la etapa de erupción rockera que hizo el crack en las maneras de componer, relatar y narrar esa fría pero efervescente etapa. Artaud contiene toda la clase de claves para entender eso que se respiraba en los setentas.

“Las almas repudian todo encierro” (Cantata de puentes amarillos); las formas de absorber los destratos del poder: “No llores más ya no tengas frío/No creas que ya no hay más tinieblas/ Tan sólo debes comprenderla/ Es como la luz de primavera” (A Starosta, el idiota); hablando del miedo: “Siempre temblar, nunca crecer/Eso es lo que mata tu amor/Siempre llorar, nunca reír/Eso es lo que mata tu amor/ Lo mismo da morir y amar” (Superchería); o la joven resignación en Las habladurías del mundo, con un mensaje final (cargado): “No estoy atado a ningún sueño ya/Las habladurías del mundo no pueden atraparnos”.

(de la edición Nº 16, febrero 2013)

1-Jóvenes de ayer. Molinari, Del Guercio, Spinetta y García.

Almendra: Luces como ayer

Hace 44 años, cuatro pibes porteños se calzaron canciones de cráneos frescos con el nombre de Almendra, como su primer disco: una obra inconmensurable que marcó a fuego al rock nacional. Por Félix Mansilla

Almendra modelo 2009, juntos para el show de Las Bandas Eternas.

Almendra 2009, juntos para el show de Las Bandas Eternas.

Escuchar el disco Almendra es adentrarse en un mundo experimental conjugado con aromas de una época de cambios. Nueve canciones que no se parecen a nada o lo remiten todo a ese tufo tan beatle, algo stone, muy Hendrix, porque de algún modo el contexto se lee hoy como una suerte de espejo generacional. Entre abril y septiembre de 1969, los estudios TNT albergaron a los creadores de ese disco que desde la portada proponía la figura de un hombre imbuido en la tristeza, con lágrimas y una sopapa en la cabeza.

Sus mentores —Luis Alberto Spinetta, Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García— crearon el imaginario de un estilo en expansión que comenzó con sueños de jóvenes y todo un mundo por ser explorado/explotado. Del Guercio (bajo) a más de cuarenta años de aquella explosión creativa contó que “éramos pibes muy inquietos y con una necesidad de absorber todo, porque siempre creímos que el arte que hacíamos era a través del soporte de la música, pero expresaba, o trataba de expresar un montón de cosas más. Trataba de ser integral” (revista La Mano Nº 68, nov. 2009).

Luis y Emilio asistían a la escuela de Bellas Artes de Buenos Aires, de allí esa forma de mirar el aire, de expresar el espíritu. Lo mismo que una década atrás en Inglaterra, la formación pública argentina traspasó esos límites acartonados del mundo occidental de la posguerra. “Las escuelas artísticas produjeron unos cuantos buenos artistas, sobre todo de rock ´n´roll: Eric Clapton, David Bowie, Pete Townshend, todos los integrantes de Pink Floyd, Keith Richards, Ron Wood, Ray y Dave Davis, de los Kinks, Jeff Beck y Eric Burdon, para nombrar sólo a los más famosos” (Barry Miles, Paul McCartney. Hace muchos años. Biografía. Emecé 1999).

Pero aquí, en plena diáspora onganista las cosas eran muy diferentes y llevar las melenas al viento era estar preparado para ser detenido. El Flaco recordó: “Nosotros —con Emilio— íbamos con las carpetas a la escuela de Bellas Artes, nos tomábamos el tren y estábamos en la escuela. Pero mientras llegaba el tren, pasaban dos canas y te llevaban a la comisaría 33ª, te interrogaban y te mandaban a un calabozo horrible, cuando vos en realidad ibas a estudiar” (RS Nº 108, sept. 2008).

El paralelo es casi inevitable si se toma como base que la formación de Almendra provenía del ambiente que surcaban y las influencias que recibían. Luis rememoró el contexto, entrevistado por Claudio Kleiman: “Estábamos inspirados por nuestros amigos, habíamos tenido en cuenta lo que pasaban en la radio (…) como Diana divaga (primer simple de Los abuelos de la nada). Nos volvíamos locos de felicidad. Escuchábamos a Los Gatos y nos encantaba. O sea que la influencia era directa, de alguna manera. A nosotros el ímpetu por hacer algo y ofrecer otro aporte nos hacía vivir como en una especie de revolución musical. Que tampoco se pudo haber realizado sin otros troncos básicos, como Moris, Miguel Abuelo, Litto Nebbia, los pibes de Vox Dei un poco después, tantos tipos que aportaban lo suyo en ese momento”.

El primer LP de Almendra (1969).

El primer LP de Almendra (1969).

La tapa de Almendra

Emilio del Guercio, contó al ciclo Elepé que “laburábamos con la música de una manera conceptual e inauguramos con Almendra el concepto de la obra artística”. Rodolfo García (batería): “Para el concepto de esa época, la primera tapa de Almendra era una cosa espantosa. De hecho, hubo que hacerla dos veces porque la gente de la compañía no la podía digerir. En esos años, la idea de ellos era explotar la imagen de los grupos. Éramos muy críticos de eso y había como una auto-imposición de no entrar en esa”.

La grabación la consiguieron luego de hacer contacto con Ricardo Kleiman, hijo del dueño de la sastrería Modart y productor del programa Modart en la noche, quien asistió a un ensayo de la banda semanas después de que le contaran de qué venía el concepto y la trasgresión de la banda (ver nota de Alfredo Rosso). Tiempo más tarde, entraron a TNT y en cinco meses quedó listo el LP en el que no incluyeron las obras de los simples, con la idea de ofrecer más a los compradores de sus discos.

Entre éstas figuran canciones como “Tema de Pototo (para saber cómo es la soledad)” —grabado primeramente por Leonardo Favio; una versión harto melosa, odiada por el propio Spinetta— y “El mundo entre las manos” (1968). Además, canciones que fueron reunidas por RCA Víctor en un solo material en el año 1999, que incluye: “Hoy todo el hielo en la ciudad”, “Campos verdes”, “Final”, “Hermano perro”, y “Mestizo” (que formó parte del disco I de Almendra II, 1970). A ese camino mágico de obras que no se gastan, se agregó “Gabinetes espaciales” que fue de la partida en los finales del ’60, pero se hizo conocido antes del fin de milenio editado en el box Almendra 68/70.

Edelmiro Molinari (voz y 1º guitarra) contó ése camino difícil: “No teníamos productor musical y nos producíamos nosotros. Simplemente íbamos y lo encarábamos como trabajábamos en casa. O sea, tocábamos, escuchábamos y si lo sentíamos ok, estaba todo bárbaro”.

Almendra II: psicodelia, acidez, rock (1970).

Almendra II: psicodelia, acidez, rock (1970).

Almendra II

En 2008, el Flaco lo definió: “Fue rockero y más psicoldélico. Nosotros mismos habíamos vivido algunas experiencias. La diferencia entre un disco y otro fue mortal, no lo perdonó la prensa ni nadie. Un medio muy importante, el matutino de mayor tirada, me destrozó. A mí personalmente, me hacía culpable. Porque yo leía eso y decía: ‘Pero ¡qué hijo de puta!, no sabe lo que queremos, no se da cuenta… ¿Lo hicimos mal entonces?’. Hay que entender que era una búsqueda tras otra, como parámetro básico” (RS 126).

La segunda etapa de la banda, consistió en el desarrollo de todo lo que el primer LP no contuvo por ser un arranque novedoso. Con dos partes de rock psicodélico y ácido, las creaciones se expanden como una firme idea de recorrido a lo largo del tiempo. El disco uno abre con “Toma el tren hacia el sur” y suenan en su recorrido clásicos como “Rutas argentinas” (compuesta en la caja de un camión viniendo a la Laguna de Lobos a un festival de rock que no fue, como le contó Luis a Mario Pergolini hace unos años en un show para Cuál es?), “Camino difícil”, compuesta por Del Guercio en honor al Che Guevara, y una obra con tono de locura como “Vete de mí, cuervo negro”. La parte dos, demuestra la experiencia y vuelan por aires encontrados con ese arranque único como “Parvas”, “Cometa azul”, “Los elefantes” y un final “Instrumental”.

Spinetta, contó las horas de ése final que iba a ser una ópera rock. “Estábamos ante mil propuestas y, por otro lado, creo que Almendra llevaba el estigma de que teníamos que hacer la ópera y esto y lo otro, y no nos dimos cuenta de que nuestro representante nos cagaba de una manera monstruosa”. De modo presente, el Flaco rememoró con un tinte de auto-culpa ese final, el mejor de todos los posibles: “Y entre los egos…no digo que yo en ese tiempo no tuviera también un papel protagónico por el ego de querer hacer mi música y llevar adelante mi proyecto, y además estaba medio loquito por las sustancias, entonces era lógico que yo quisiera una renovación permanente. Ahí me armé de ese patrón, cuyo mejor ejemplo son los Beatles, cuyo período de oro es desde el disco cero hasta el último”.

El regreso de Almendra en 1980.

El regreso de Almendra en 1980.

El regreso

La historia no finalizó allí. Del Guercio y García, junto a su hermano Gustavo Spinetta, participaron en la grabación de Artaud (1973) que si bien lleva la firma de Pescado Rabioso es la primera obra de Luis en plan solista. En 1980, Almendra se reunió para dar dos increíbles shows en el estadio Obras, dejando una placa poco valorada en su momento pero que hoy se inscribe como una obra específica de cuatro músicos maduros, con la sintonía de los ochenta sobre la espalda. Dicho trabajo cuenta con una mejor producción en la grabación y en la forma en que los sonidos se comprendieron para dejar claro testimonio de crecimiento conjunto.

(de la edición Nº 16, febrero 2013)

FAVIO 2

Nuestro Leonardo

El 5 de noviembre por la tarde el mundo se enteró de la muerte de Leonardo Favio. Vale aquí nuestro homenaje — en forma de ensayo—  a partir de un análisis sobre su mirada de autor y las estructuras utilizadas en el relato del film Gatica, El Mono. 

  Por Félix Mansilla
El film de Leonardo Favio (1938-2012) se abre desde amplios aspectos culturales/históricos mediante un repaso retrospectivo de la vida política y social de Argentina a partir de la década del ´40 con la aparición de la figura de Juan Domingo Perón. La excusa es una biografía fina del boxeador, quien transcurre por ella como epopeya del repaso contextual a partir de una ordenada estructura de elementos y recursos utilizados por el autor. En tanto, puente analítico, la crítica a una obra cultural desde un canal atrayente como el cine, resulta importante si se trata de un elemento que en el tiempo ha logrado cobrar valor y puede así repensarse sobre aquello que significó en el pasaje epocal determinado.

El recuerdo colectivo como valor contiene una definición de Roland Barthes (filósofo, escritor, ensayista y semiólogo francés) quien en “Crítica y verdad” (1966) señala que “nada tiene de asombroso que un país retome periódicamente los objetos de su pasado y los describa de nuevo para saber qué puede hacer con ellos: esos son, esos deberían ser, los procedimientos regulares de valoración”. En su libro “Atrapa el pez dorado” (Mondadori, 2008) David Lynch narra: “No sé por qué, pero entrar en un cine y que se apaguen las luces es mágico (…), entras en otro mundo. Es bonito cuando se comparte la experiencia. También es bonito cuando estás en casa con la pantalla delante, pero no tanto. Es mejor en pantalla grande. Así te adentras en otro mundo”. En ese marco simbólico, Leonardo Favio sobrevive como punto esencial de la cultura nacional. Al explicar su forma de procesar y reconstruir los personajes, Favio argumentó alguna vez que “a mi me gusta que sea muy claro el guion. Me interesa mucho ver qué le sucede al personaje, pero especialmente, todo lo que ocurre sobre su rostro, porque el rostro cuenta tu vida, es el que te narra a través de los ojos y la mirada”.

Juan el botellero, Leonardo el cineasta
Quizá la reconstrucción de la vida de Gatica en manos de Leonardo Favio, se desplace desde aquella niñez devenida en privaciones, rupturas y cambios, atravesados en parte por la marginalidad: Favio pasó parte de su niñez en hogares y reformatorios. En el Mono, el personaje de Edgardo Nieva se bate en la marginalidad, sin padre, con una madre desesperada por la dejadez de malos tiempos, los platos de sopa y el humo de tabaco para armar. En una entrevista para la revista Hecho en Buenos Aires Nº 10, de septiembre de 2009, el cineasta definió su visión del mundo en sus obras: “Mis películas hablan de Poesía y naturaleza; de eso está plagada mi filmografía. (…) Realmente, yo no concibo la vida de otra manera”. El film retrata la vida del boxeador argentino de peso ligero, proeza del deporte popular, espejo y reflejo claro de un período de cambios en el proceso político, social, cultural y económico del país durante el surgimiento del peronismo en los primeros años de la década del ´40. Favio pauta los dotes del personaje subrayados en toda la producción: ropas extravagantes, derroche de dinero en putas y propinas abultadas, donaciones a hogares de niños con capacidades diferentes y sus fotos con Perón y Evita. De forma paralela, cada paso en la vida del boxeador se amplifica y modifica al ritmo de aquellas circunstancias por las que atravesó parte de la Argentina. La infancia de Gatica se ve cruzada por aquel ajetreo de modificaciones de orden social, obtención de derechos y la salida de las clases populares a las calles. En el principio de la historia, el director anuncia: “Salvo los datos históricos, en los que algunos nombres han sido cambiados, los hechos narrados en esta película fueron recogidos de la mitología popular y recreados libremente por los autores”.
Los resultados estadísticos —recurso constante a lo largo de 136 minutos— arrojan los logros deportivos del Tigre puntano, quien obtuvo sendos títulos en una carrera “desprolija” y casi característica de lo que podemos llamar el prototipo de boxeador argentino: de clase baja, vago, putañero y arrogante, vida desordenada, y más conceptos (o prejuicios comunes). Parte de la carrera de otros púgiles tienen el mismo tinte que la de Gatica: Ringo Bonavena (asesinado en dudosas circunstancias en Nevada, U.S.A, en 1976), Carlos Monzón (preso por homicidio, fallecido en un accidente de tránsito en 1995), Rodrigo la Hiena Barrios (condenado a cuatro años de prisión por homicidio culposo en accidente en vía pública) y los ejemplos podrían seguir. Los números destacados en cada tramo de la película, hacen a la parte biográfica del personaje, por eso, el resultado de la obra de Favio también indaga sobre aquellos detalles que reconstruyen a la representación del camino del púgil, los cuales no resultan incómodos y están específicamente ubicados. Es decir, sus diálogos con el Rusito, amigo/hermano de la infancia, suceden una y otra vez para demostrar las características del personaje: “No puedo andar solo”, pronuncia Gatica en un abrazo fundido con su amigo; símil Bernardo del Zorro, Picaporte de Phileas Fox en “La vuelta al mundo en 80 días” de Julio Verne, Robin fiel o el incondicional Sancho. Mientras, los encadenados en la pantalla generan la sensación constante de paso del tiempo, las imágenes de las portadas de diarios y revistas dan a conocer el derrotero de Gatica, que finalizó con 95 combates ganados, 85 obtenidos, de los cuales 72 fueron por knock out.

Política y deporte
Sobre el paralelo Gatica y su relación con Perón y el movimiento peronista (antes de los combates repetía “Quiero dedicarle este triunfo al General”) o su visita a Eva Perón antes del deceso, son las claras muestras del codeo entre la política y el deporte popular en aquellos años. Sorprende el sendero del relato: en todo el tramo de la película se lo ve al “campeón” atravesando largos pasillos de los clubes donde peleaba, en el hospital donde se entera que su segunda esposa perdió el embarazo de su hijo varón, en los callejones por dónde camina solo, borracho y aturdido, entre gritos de “Mono y Perón, un solo corazón”. En referencia al costado social del film, es dable citar a Omar Rincón (periodista y ensayista colombiano) quien explica que “el cine prueba los formatos, las temáticas y las historias que la sociedad está dispuesta a comprender y asumir una vez que el cine demuestra que una idea, un formato o un estilo son posibles”.

Favio al mentón
El carácter de la luz utilizado por Leonardo Favio se aprecia a través de lentos planos generales que apenas repasan la escena con movimientos leves que acompañan cada acción. Así, el desarrollo de la imagen se proyecta como un puente que entrelaza la gloria (Nieva brazos en alto: su rostro sangrando, la sonrisa de un llanto glorioso, un ocaso, lluvias, rumores de multitud, la bandera argentina, el pasado y el presente). Lynch, lo explica mejor: “A menudo, en una escena, la habitación y la luz juntas significan un estado de ánimo. Por tanto, incluso aunque la habitación no sea perfecta, puedes trabajar la iluminación hasta que transmita la sensación correcta para que refleje el mismo estado de ánimo que la idea general. La luz puede cambiarlo todo en una película, incluso un personaje. Adoro ver salir a gente de la oscuridad”. La amplitud de los planos —marca de las producciones de Favio— están estructurados a partir de una cámara que ejecuta la captura de manera precisa y en la que el desarrollo se ve desde lejos, hasta terminar regresivamente en un zoom ajustado. Ejemplo de ello, son las tomas de los combates desde el piso en un travelling que recorre todo el cuadrilátero, encadenados con escenas de sexo donde el rostro de Nieva amplia aquello que está fuera de cuadro. Al hacer hincapié en la marca de autor y sus obras en la concepción de un personaje que representa y se desarrolla a modo de reconocimiento, el ruso
Serguéi Eisenstein (director de cine y teatro) expresa en “El mundo de Charles Chaplin” (1980): “La heroica lucha por la vida del no heroico héroe; del azar histórico es la vía de escape del callejón sin salida de la historia”.

Todos los ocasos
Una vez alcanzada la fama —mucho dinero, muchos amigos, muchas mujeres— hacen que aquel joven buscavida de barrios húmedos, marrones y grises de niebla y vapor de sopas, se tornen en un charco de aquel pasado. La figura del púgil revela resentimiento y apura el camino recorrido entre aquella infancia pobre con presente abultado, desfachatado y fanfarrón:
—¿Qué hacés, Mono? Así de blanco parecés Gardel.
—Mono las pelotas, oligarcón. Señor, Gatica. Y no soy Gardel.
Tras el derrocamiento del gobierno de Juan Domingo Perón a manos de la Revolución Libertadora en 1955, la carrera de Gatica se ve amenazada por una de las tantas proscripciones que se suscitaron a partir de ese año: al partido justicialista, el nombre de Perón y Eva Duarte. En la pantalla vuelve la imagen de un hombre revolcado en una gloria que ya no está, con la bandera argentina como símbolo patrio (y peronista), una melodía de ópera que aturde y anuncia una cuenta regresiva sin retorno. Derrota rotunda en el Madison Square Garden de New York, herido sentimentalmente, Gatica comienza a mostrar indicios de un delirio de haberlo perdido todo. “Para hablar con Gatica se pide audiencia”, repite como un colifa fugitivo. Los planos del golpeado campeón se amplían en escenarios que denotan la pobreza. La espera en la entrada de restoranes con la frase “buenas noche’, buen provecho” y su desidia en el final, rengo, vendiendo muñecos en la cancha de Independiente. Su amigo Martín Karadagian narra en off el final del Mono: “Quedó renguito”. Su destino entregado en el estribo y el pecho reventado en el cemento, como cualquier partida después de una vida en la nada. Favio, en cambio, rebatió el origen y dejó la huella.

(de la edición Aniversario 1, noviembre 2012)